Nicole Kidman passe une nuit blanche. Nous, on s'endort...

Vous y êtes ? The Invasion a en lui quelque chose de Balko, du Clown ou de Derrick, séries dotées de ce savant soporifisme dont nos voisins teutons ont le secret. Impossible de les rater, notre beau service public en est abondamment approvisionné. (Souvent, on zappe, mais comme les programmes de TF1 et M6 ne sont pas invariablement plus intelligents, on revient automatiquement dessus.)

C'est assez étrange : le réalisateur allemand Oliver Hirschbiegel nous avait habitué à un cinéma plus habité, plus pêchu, plus émotionnel (hollywoodien ?) avec L'Expérience et La Chute. Des productions outre-Rhin paradoxalement moins "allemandes" que le très efficace somnifère qu'est The Invasion.

Rematez plutôt le Body Snatchers (1993) du génial Abel Ferrara (The Invasion est le remake de Body Snatchers qui était le remake de...). Tss, tss... Franchement, remaker 13 ans plus tard, est-ce bien sérieux ? Tout cela en dit long sur l'inventivité des scénaristes hollywoodiens actuels. Pauvre cinéma !

PS : (Attention spoiler) Avez-vous noté la subtilité (ha ha !) de cette myse en abyme ? Dans le film, les humains contaminés ne doivent pas s'endormir, faute de quoi ils se transforment en extra-terrestres. Ainsi, pendant quatre-vingt-dix minutes Nicole Kidman se bat pour ne pas piquer de l'oeil... à l'instar du spectateur luttant tant bien que mal contre un chloroforme qui ne dit pas son nom.

Euh.../6

Donner un petit frère à 28 jours plus tard : le défi était de taille. Souvenez-vous de ce film brillant, violent, sans concession qui réinventa totalement le concept de survie dans une Grande-Bretagne ravagée par une rage transformant les Brits en créatures féroces. Au four et au moulin, le génial et incompris Danny Boyle (accompagné de son scénariste fétiche Alex Garland). Vous savez, Danny Boyle, réalisateur dont la simple évocation au cours d'une discussion entre potes engendre toujours cette réaction en chaîne : "Trainspotting ? waw, trop cool ce film, surtout quand le bébé y marche au plafond, La Plage ? oh, la, la, trop nul ce film, c'est vraiment un truc pour djeuns débile !" Pathétique. Enfin bref.

Disons d'emblée que Juan Carlos Fresnadillo, réal du très trippant Intacto n'a pas su gérer jusqu'au bout un film qui a pourtant le mérite de super bien commencer. L'insoutenable chapitre d'ouverture, idéalement filmé - caméra à l'épaule au plus près d'un groupe de survivants -, pose cash une question cruciale, existentielle : jusqu'où est-on prêt à aller pour sauver la vie des gens qu'on aime, sans mettre en danger la sienne ? La scène est troublante, car l'identification avec Don, le héros - un lâche -, est automatique. Avec effroi, on se dit qu'on aurait peut-être agi pareil, qu'on aurait fui...

28 semaines plus tard, le virus est maîtrisé. Londres se repeuple peu à peu. Don (campé par un Robert Carlyle nickel) a survécu. Le poids de la culpabilité le ronge, le mensonge transpire dans chacune de ses expressions... On était venu pour voir des zombies et de la survie, et on se surprend à vouloir que ce drame intimiste supplante la trame principale. Bouleversante est la séquence qui place Don face à sa propre culpabilité. So far, so good...

Don (Robert Carlyle) fuit pour sauver sa vie et pas celle des autres

Paradoxalement - à moins que ceci n'explique cela - c'est au moment où le virus réapparaît - on ne dira pas comment - que le film perd tout son intérêt : en trente secondes l'émotion tombe à plat, et les enjeux qui donnaient corps à l'histoire disparaissent. What the fuck ?

Le scénario frise alors la disparition pure et simple et utilise la grosse ficelle du "code rouge" : les-méchants-militaires-perdant-le-contrôle-de-la-situation-dézinguent-tout-le-monde-y-compris-les-non-contaminés. Waw, quelle originalité ! Dire que certains critiques bien-pensants en arrivent à écrire que la partie militaire est magistralement gérée par Fresnadillo, y voyant même une métaphore de la guerre en Irak ! Mais qu'ils cessent de voir des métaphores partout !!!

Scénaristiquement parlant, le "code rouge" ne tient pas la route : l'armée n'est sans doute pas une entité brillant par sa subtilité, mais aucun état-major ne prendrait la stupide décision de buter tout le monde sans réfléchir. C'est juste primaire, à peine digne d'un téléfilm du dimanche aprèm. Dans 28 jours, les militaires n'étaient pas jugés par Boyle : la survie avait juste pris le dessus sur leur part d'humanité. En deux mots, ils étaient devenus des bêtes sauvages, un peu comme les contaminés : c'est ce qu'on appelle une correspondance scénaristique, et ça démontrait toute l'intelligence du scénario.

Le gentil sergent, un raccourci archi déjà vu...

Clairement, 28 semaines est scindé en deux parties bien distinctes (drame intimiste/répression militaire) à l'instar de son prestigieux aîné 28 jours. Mais contrairement à Fresnadillo, Boyle a parfaitement su faire le pont entre les deux.

Dans sa seconde partie, donc, Fresnadillo pête son câble : intrusion de scènes gore totalement hors-sujet, intervention du gentil sergent  (on notera que c'est toujours un sergent) - certes campé par un très attachant Jeremy Renner. Et, félonie suprême, la soporifique scène du métro - même pas digne d'un mauvais Fort-Boyard - qui affecte de façon irréversible le rythme du film. Le climax est expédié vite fait mal fait - l'émotion a disparu des bobines depuis déjà trop longtemps. Le métrage ose même un twist final ridicule, filmé à l'arrache, qui pourrait bien flinguer la franchise... Rien à voir avec la fin de son prédécesseur, un trésor d'ambiguïté dans son genre.

28 semaines demeurera un grand moment de frustration. Zapper le concept de survie et le remplacer par la culpabilité permettait, subtilement, de ne pas faire doublon avec le premier volet. Il aurait sans doute fallu tenir le filon jusqu'au bout. Mais Fresnadillo a abandonné son bébé au milieu du parcours. Comme un lâche.

3/6

Ne ratez pas l'occasion de voir l'un des meilleurs Kusturica sur grand écran ! Le Temps des gitans (1988) est rediffusé actuellement au Champo (dans le 5e arrondissement de Paris). Un vaste fourre-tout baroque, inclassable et clairement immoral, comme souvent chez le réalisateur d'Underground. C'est l'histoire d'un orphelin slovène et tzigane, Perhan (Davor Dujmovic, trop stylé), élevé par une grand-mère guérisseuse, Baba. Il voudrait épouser la belle Azra, mais sa harpie de mère le rejette comme un mauvais parti. Grâce au nabab du coin, il aura l'opportunité de devenir quelqu'un, et, par la même occasion, de sauver sa soeur infirme. Mais son innocence résistera-t-elle à l'usure du grand banditisme ?

Azra et Perhan, la fin de l'innocence

Poétique (l'incroyable scène des radeaux sur le fleuve !), mélancolique (la prostitution et la misère qu'elle entraîne), hors-catégorie et déroutant (des éléments fantastiques savamment distillés) : les adjectifs sont nombreux pour définir Le Temps des gitans. Cela étant dû à la capacité - rare - de Kusturica de faire des films incroyablement riches mais - encore plus rare - très cohérents. Ici, la drôlerie et le drame s'embrassent sans couac. Et, sur le fond, des thèmes comme la pauvreté, le racisme et la prostitution sont abordés avec simplicité et sans aucune lourdeur. Comme tout film réussi, on reconnaît la signature de l'auteur, mais on ne voit pas le trait. Le réalisateur s'efface et l'émotion passe. Indiscutablement le meilleur film jamais fait sur les gitans. Quand bien même on n'en aurait vu aucun autre.

5/6

Il y a des films qu'on mate juste pour le plaisir des sens, en se foutant royalement du texte/contexte/sous-texte. En territoire ennemi fait partie de cette catégorie. Un film de guerre où la réfléxion point rarement, où les clichés surgissent régulièrement, certes, mais où les scènes stylées abondent massivement.

The plot : Burnett et Stackhouse, deux pilotes de la Navy, sont envoyés dans une zone démilitarisée de l'ex-Yougoslavie. Simple mission de routine, en fait, qui consiste à photographier le sol. Par hasard, les officiers survolent un charnier humain. Des militaires serbes, craignant que l'existence des charniers soit révélée, abattent leur avion en plein vol. Au sol, les représailles continuent. Et c'est une longue et périlleuse chasse à l'homme qui commence pour Chris Burnett (Owen Wilson) dans la cambrousse yougoslave... Premier constat : à l'évidence, l'intrigue ne tient pas debout. Qui oserait en effet attaquer un Superhornet ricain au risque de déclencher une crise internationale majeure ? Et qui oserait violer la souveraineté d'une nation étrangère juste pour récupérer un pauv' soldat égaré ? (Quoique...)

Mais tout ça, au fond, on s'en fout. La seule question philosophique qui mérite d'être posée, c'est : "Est-ce qu'on va voir de la bonne baston ?" Et la réponse est "oui, plutôt". Oubliez Top Gun (ha, ha !) et toutes les scènes d'avions de chasse pourries précédemment filmées pour le cinéma. D'habitude, c'est ridicule, objectivement soporifique et réservé aux seuls fans d'aviation. Ici, pourtant, l'attaque du Superhornet décoiffe littéralement. Nerveuse, ingénieusement rythmée, elle donne le ton du film, blindé à la testostérone.

Owen Wilson en mode bien vénère

Dans le rôle de la proie, le choix d'Owen Wilson - le pote de Ben Stiller ! - pouvait surprendre, mais il ajoute incontestablement une plus-value au film du clippeur John Moore (qu'on ne soupçonnera jamais d'être le fils caché de Kubrick et Spielberg). Son personnage dégage paradoxalement une évidente impuissance (il n'a jamais vécu de combats réels) et une force latente (matérialisée par une farcouche volonté de survie) qui provoquent presque naturellement l'empathie.

Par moments, la réfléxion point en filigrane au détour de situations tendues, comme lors de la scène des charniers. Parfois, en revanche, c'est carrément idiot : le seul "bon" Serbe est bien sûr élevé à la culture US, parle bien anglais, drinks Coca Cola, et connaît par coeur Ice Cube (!). Par conséquent, il est forcément du bon côté, courageux et intelligent...

Heureusement, les scènes de fight reprennent vite le dessus. Au programme, il y a la séquence des mines sauteuses, vraiment assurée sur tous les plans ; celle du tir d'obus de char, filmée de façon inédite ; une confrontation sèche et sans concession face à un bad guy bien teigneux. Au final, on fait face à un film de sous-genre qui ne plane pas bien haut, mais on prend quand même son pied. Parce que Behind enemy lines ose, avec beaucoup de sincérité, être un pur film d'action au premier degré.

2/6

C'est d'abord l'expression d'un regret. Aujourd'hui, on télécharge en masse les musiques qu'on adore. On aura beau dire ce qu'on voudra, retourner le problème dans tous les sens ou chercher des vieilles excuses, le fait est là : la généralisation du downloading tue à petit feu l'industrie musicale (il faut comprendre les majors ET les artistes). Mais pas seulement. Avec le téléchargement, on est en train d'assister à la mort lente d'un support qui, de façon extraordinaire, réalise la synthèse de compositions a priori hétérogènes : l'album. Parce qu'une chanson, arrachée de ce sein maternel, de cette structure cohérente qu'est l'album, perd une partie de sa quintessence.

Mais attention, l'album ne doit pas penser, dans sa lente agonie, que le downloading est à l'origine de tous ses maux ! Comment reprocher à Untel de télécharger un morceau d'un album, si, l'ayant écouté en totalité chez un disquaire, il juge que les autres chansons sont nazes ? Car artistes et majors ont trop souvent recours à la formule : album = un tube + dix chansons pourries (pour un disque comprenant onze titres, donc).

C'est beaucoup trop facile, et c'est d'autant moins excusable que de nombreux artistes se tuent à la tâche pour nous offrir des albums parfaits du début à la fin, ou presque. En voici une liste, non exhaustive. Est-il nécessaire de préciser qu'elle est êxtremement subjective (le mot le plus vide de sens de la langue française, tant il confine au pléonasme paroxystique) ? Une chose est sûre : les types qui ont créé ces albums ne se foutent pas de la gueule du monde. Objectivement.

Daft Punk / Discovery

Quand on l'écoute, c'est un peu comme dans un rêve. On repense à des soirées d'été. Chez des amis, en boîte de nuit, autour d'un feu sur une plage. Peu importe. L'émotion pointe, peu à peu, le bout de son nez. On frissonne. On a la larme à l'oeil. On est transporté, par les saccades de Harder Better Faster Stronger, par le tournoiement de Crescendolls ; on est ému, par la profondeur de Digital Love, par la nostalgie de Something About Us. Discovery : Un chef d'oeuvre d'une densité et d'une limpidité rarement atteintes, qui confine à coup sûr à l'Universel - à quand une statue ? C'est tellement fluide qu'on a l'impression d'entendre une seule chanson. Sans faute de goût, ni fausse note. L'archétype de l'album parfait. (Voir à ce propos le sublime Interstella 5555, l'animé qui marie parfaitement la musique de Daft Punk à l'esthétique de Leiji Matsumoto, le créateur d'Albator.)

VAST / Visual Audio Sensory Theatre

Un jour, vous avez peut-être vu au cinéma la bande-annonce française de La Plage. Une musique assez singulière accompagnait les images du film - excellent au demeurant. Vous l'avez peut-être entendue sur une radio rock, aussi. Elle s'intitulait Touched, et c'était le morceau tubesque du premier album de Vast, un groupe - ou plutôt un homme, un Californien répondant au doux nom de Jon Crosby, sachant manier tous les instruments - qui sort vraiment, mais alors vraiment de l'ordinaire. Mêlant les influences les plus diverses - Joy Division, The Cure, sonorités orientales, chants grégoriens (!) - Vast prend aux tripes grâce à un mélange accrobatique de rock alternatif, musique industrielle, new-age, classique transcendés par la voix profonde (Flames) et envoûtante (You) de Jon Crosby. Onze chansons parfaites en tout point, d'une densité qui invite à les réécouter en boucle pour les redécouvrir inlassablement sous un jour nouveau. Les mots ne suffiront jamais à transmettre l'impact émotionnel de cette expérience quasi mystique. Un must-have.

PS : Music For People (plus axé new-age) et Nude (influences orientales et asiatiques plus présentes) ont suivi de près ce magnifique album. On croit écouter les deuxième et troisième chapitres (magiques eux aussi) d'une même histoire, comme si le tout formait une seule et même chanson. Un chef d'oeuvre de cohérence.

New Order / Get Ready

New Order, pour faire simple, c'est ce qu'est devenu Joy Division après le suicide du chanteur Ian Curtis en 1980. C'était déjà pas mal, mais en changeant de nom, le groupe mancunien a comme qui dirait customisé toutes ses qualités. C'est simple, cet album - Get Ready, donc - est un ovni. Et il porte bien son nom. Parce qu'une fois parti, ça ne s'arrête plus, c'est orgasmique, ça vous fait bondir avec joie dans la salle de bain dès potron-minet. A l'image de morceaux aux titres binaires vraiment percutants (Vicious Streak, Close Range, Run Wild), Get Ready s'impose comme une oeuvre d'une précision chirurgicale à la rythmique irréprochable, et démontre toute son audace via le survitaminé Someone like you et tout son peps avec le pétaradant Primitive Notion. Une virilité nuancée par le planant Slow Jam, où la voix nasillarde de Billy Corgan (l'ex chanteur des Smashing Pumpkins) fait écho à celle, précise et vaporeuse, de Bernard Sumner. Bref, des morceaux pop-rock géniaux, qui nécessitent bien sûr une trentaine d'écoutes pour en saisir la subtile ponctuation. Puissance, profondeur et pureté : c'est évident, New Order demeure la plus fascinante mécanique pop que le rock ait enfantée depuis les Beatles, Oasis et Radiohead, la sophistication technologique et la spontanéité rock en plus.

 Rage Against The Machine

Aujourd'hui encore, Rage Against The Machine demeure la plus grande claque assénée à la planète rock en mariant intelligemment rap et hardrock. Créateur d'un véritable hymne à la rébellion dénoncant les crimes du gouvernement américain (Know Your Enemy, Killing In The Name), on aurait tort de réduire RATM à un groupe surfant artificiellement sur la vague djeuns contestataire (style Manu Chao) pour asseoir sa notoriété, à défaut de produire de la vraie musique. Car la réussite des Rage est avant tout due à un quatuor audacieux et stylé qui sort des sentiers battus : Zach de la Rocha, chanteur décomplexé, survolté, révolté. Talentueux au point de nous faire frissonner (Settle For Nothing), même quand il beugle des insanités (Bombtrack) ; Tom Morello, le guitariste le plus révolutionnaire depuis Hendrix, qui, à l'écoute, a vraiment l'air de prendre son pied (Fistful Of Steel) ; Tim C., le bassiste le plus groovy et le plus reconnaissable de la planète (Township Rebellion) et Brad Wilk, l'infatigable batteur (Bullet In The Head) qui n'a rien à envier à Lars Ulrich (Metallica). Rien à jeter dans cet album. Chaque piste, en plus d'être géniale, a sa part de singularité. De la colère, de l'excitation, de l'émotion. A chaque morceau, c'est un sentiment nouveau qui s'empare de nous. Le produit fini, à l'image du flow de l'éternel Zach de la Rocha, est unique.

Pink Floyd / The Dark Side Of The Moon

Trente millions d'exemplaires vendus. Soit le quatrième plus grand succès musical de tous les temps. Ce n'est assurément pas usurpé. The Dark Side Of The Moon, c'est un enchaînement de titres qui nous plongent littéralement dans une léthargie bienfaisante. The Great Gig In The Sky : une improvisation de Clare Torry sur un morceau préenregistré à qui le groupe avait donné pour seule indication : "Pense à la mort, à l'horreur et chante". Elle a présenté ses excuses en partant parce qu'elle pensait avoir mal chanté. Elle venait de donner naissance, en toute simplicité, au morceau le plus fou, le plus juste et le plus touchant du groupe. Fou, juste et touchant... Des adjectifs qui, au fond, peuvent se rapporter à toutes les pistes de l'album (Breathe, Us and them...). Sinon, il y a aussi Any colour you like, un psychotrope planant qui étire notre esprit à la façon d'un travelling compensé de caméra. Bref, une expérience inoubliable qui résonne dans l'encéphale jusqu'au bout de la vie. Tout simplement.

Voilà pour un top cinq mûrement pensé...

Sinon, dans un top dix pourraient sûrement figurer :

Michael Jackson / Thriller

Un album absolument monstreux, parfait en tous points (au fait, pourquoi n'est-il pas dans le top cinq...). "The King of Pop", c'est bien trop peu. Michael, c'est sans doute le plus grand artiste que la Terre ait jamais portée.

The Smashing Pumpkins / Mellon Collie and The Infinite Sadness

La voix nasillarde de Billy Corgan demeurera à tout jamais inoubliable... Cela valait bien (oh que oui !) un double album.

Frou Frou / Let Go

Du Dido (c'est déjà vachement bien) en mille fois mieux ! Plus stimulant et optimiste, tu meurs.

Sigur Ros / Agaetis Byrjun

Des chants venus de nulle part et qui touchent vraiment très, très, très profond...

Metallica / Master of Puppets

Du metal (ha ha) à l'état pur (hu hu) pour des morceaux d'une bravoure inégalable.

Nirvana / Unplugged in New York

On ne sait pas si on a déjà été aussi ému par un live... Kurt, tu es parti trop vite.

The Goo Goo Dolls / Dizzy up the girl

Un diamant brut. Du rock porté par une Fender cristalline et une voix (John Reznik) incroyablement poétique et lyrique qui donnent des frissons.

Euh... ça fait plus de dix, là...

(Attention spoilers)

C'est devenu systématique : dès que Mel Gibson sort un film, c'est l'hallali. Apocalypto, son dernier film, n'était pas encore apparu sur nos écrans qu'il faisait déjà l'objet d'une cabale : des légions d'historiens couvés par des médias bien-pensants ont rivalisé de remarques stériles pour juger de sa véracité historique. Verdict des "experts" : Apocalypto, qui raconte l'histoire de la décadence des Mayas (ce n'est PAS DU TOUT le propos du film, nous y reviendrons), est bourré d'inexactitudes qui portent atteinte à la mémoire des descendants des peuples de la péninsule du Yucatan : brutalité exagérée et spiritualité négligée, voilà ce qu'on reproche à Mel Gibson. Mettons les choses au clair : de une, la meilleure façon de se cultiver sur l'ère post-classique maya, jusqu'à preuve du contraire, c'est encore de lire des livres qui traitent directement de la question (pousser le portail d'une bibliothèque ne requiert pas un effort surhumain). De deux, c'est un faux débat, car l'embellissement ou l'enlaidissment de la réalité est un droit inaliénable qu'on ne saurait soustraire au cinéma. Enfin, un film est d'abord fait pour di-ver-tir. On n'en attend pas plus (mais pas moins) de la part de Mel Gibson de toutes façons.

Apocalypto, c'est donc un film d'aventure qui dépeint les péripéties de Patte de Jaguar - un Amérindien aux faux airs de Ronaldinho - dans un contexte de décadence maya (on peut affirmer que l'histoire se déroule en 1492...) qui demeure au final très secondaire. Chez Mel Gibson, contexte rime avec prétexte, et, comme toujours, l'action prévaut sur tout le reste. De ce côté, Apocalypto est globalement réussi. Globalement, parce que le film met tout de même un certain temps à trouver son rythme.

Ce n'est pas que les scènes d'exposition manquent de peps : montrer l'harmonie de la tribu de Rudy "Patte de Jaguar" Youngblood (comme cette partie de chasse au tapir dans la jungle mésoaméricaine qui se termine en franche rigolade) était une chose nécessaire. L'intrusion dans son village d'individus guidés par les plus mauvaises intentions n'en devenant que plus palpitante, au vu du chaos qu'elle génère. Le problème, c'est que l'énergie déployée par Mel Gibson à la réalisation est vite parasitée par la sempiternelle résurgence de sa vieille marotte : la religion. Avant d'être égorgé par le plus cruel des assaillants, le chef de la tribu, Ciel de Silex, lance à Patte de Jaguar : "N'aie pas peur mon fils." Soit un copier-coller de l'une des phrases les plus emblématiques du Christ. Vous avez dit prosélytisme ? Cette phrase trouvera toutefois sa justification filmique dans la deuxième partie du métrage (de loin la meilleure), quand le héros aura justement cessé d'avoir peur, pour le plus grand bonheur du spectateur (c'est qu'on commençait sérieusement à s'emmerder).

Souffrance, servitude et sacrifices

Passée cette petite déception, Mel Gibson enfile pour de bon le bleu de chauffe. Patte de Jaguar et les survivants de la bataille sont emmenés par les intrus victorieux vers une cité maya où ils seront sacrifiés. (On notera le manichéisme gibsonien qui met face à face le bon sauvage, qui vit paisiblement de la chasse dans la forêt, et le sauvage civilisé - bah oui, forcément perverti... - friand de massacres et de barbarie.) On découvre alors progressivement la cité via le point de vue des captifs (bien vu). Les décors, les costumes, criants de vérité, facilitent grandement le sentiment d'immersion.

Et là, première surprise : dans son extrême violence visuelle, Apocalypto demeure étrangement soft (sur une échelle gibsonienne bien entendu) dans sa représentation des sacrifices. Pas de gros plan du prêtre maya perforant les entrailles des victimes. Les décapitations sont filmées en plan large quand elles ne font pas tout simplement l'objet d'une ellipse. Au fond, la violence transparaît plutôt via la folie patente qui frappe les habitants de la cité, galvanisés par les prêtres mayas (pour la subtilité, on repassera), demandant toujours plus de sang pour apaiser un dieu qui a propagé une plaie mortelle dans la région. Magie du scénario : Patte de Jaguar sera sauvé in extremis grâce à l'intervention d'un deus ex machina inespéré (pompé sur les aventures de Tintin ?).

Patte de Jaguar tente d'échapper à ses poursuivants

Sérieusement blessé, Patte de Jaguar parvient à rejoindre la forêt et n'a plus qu'une idée en tête : retrouver femme et enfants. Enfin ! La chasse à l'homme est lancée, et le film commence pour de vrai. Mel Gibson se lâche et donne tout ce qu'il a : shots nerveux, ralentis hypertrophiés (mais super efficaces), brutalité visuelle et sonore de plus en plus marquée. Les poursuivants sont tour à tour massacrés par la faune qui apporte (indirectement ?) son aide au fugitif (on pense inévitablement au Livre de la jungle) ou impitoyablement fauchés par la rage décuplée de Patte de Jaguar, devenu une véritable bête sauvage, bien aidé par une flore qu'il connaît jusque dans ses moindres recoins. Le chasseur, maintenant, c'est lui. Qu'il soit camouflé (Predator et Rambo sont cités explicitement) ou à visage découvert (la scène de l'essaim de frelons est à tomber par terre), il ne laisse aucune chance à ses ennemis. Les bourrins tacticiens à l'affût se font rares ces temps-ci au cinéma, et pour tout dire, ça fait vraiment plaisir.

Certes, si on pose l'opération, la part réservée à la civilisation maya - notons tout de même que les personnages parlent en maya yucatèque, et non en anglais - est manifestement réduite à sa plus simple expression (le passsage dans la cité dure à peine vingt minutes). On regrettera également la beauferie de Mel Gibson, obnubilé qu'il est par les valeurs ricaines transcendentales (le père - Patte de Jaguar - qui doit défendre sa famille face aux dangers provenant de l'extérieur). Mais d'un autre côté, on notera que le héros, à la fin du film, ne pactisera pas avec le conquérant espagnol (le colonisateur, l'occidental, le Ricain, quoi, si on doit expliciter les symboles), et préférera se terrer dans sa "selva" qu'il chérit tant pour continuer à vivre une existence paisible. Connaissant l'énèrgumène Gibson, la surprise est de taille. Sur ce point-là, force est de reconnaître qu'il affiche une palette de nuances qu'on ne soupçonnait pas jusqu'ici.

3/6

(Attention spoilers)

Quelque part sur Terre, de nos jours. Izzy (Rachel Weisz) est atteinte d'une tumeur maligne au cerveau. Son mari, Tommy Creo (Hugh Jackman), cancérologue génial mais incompris, cherche un traitement pour la sauver. Et se lance dans un projet fou : Trouver un remède contre la mort elle-même. Un remède qui pourrait bien être... l'Amour.

Cela vous fait rire ? Si vous attendiez de Darren Aronofsky un Requiem for a dream bis, passez votre chemin. Si vous pensez qu'un film qui parle d'amour au premier degré ne pourra que vous faire doucement rigoler (bref, si vous n'avez pas de coeur), passez votre chemin aussi. Parce que d'amour, The Fountain ne parle que de ça.

Et de mort, aussi (deux thèmes intimement liés). Izzy est en phase terminale. Elle perd ses sensations physiques. Pieds nus sur son balcon enneigé, contemplant une nébuleuse - un nuage de poussière entourant une étoile morte, annonçant la naissance de nouveaux astres -, elle ne ressent plus le froid. Pas plus que le chaud quand elle prend son bain. La vie la quitte peu à peu de l'intérieur. Un peu trop vite, même, pour lui laisser le temps d'écrire le dernier chapitre de son roman intitulé The Fountain, que Tommy lit par petits bouts : Menacée par un mal intérieur - l'Inquisition - qui sévit dans l'Espagne du XVIe siècle, la reine Isabelle la Catholique (Rachel Weisz, tiens, tiens...) confie une mission à Tomas, un conquistador (Hugh Jackman...) : Chercher et trouver en Nouvelle Espagne (l'actuel Guatemala) l'arbre de vie, dont la sève donne la vie éternelle. Tomas est en passe d'atteindre son but, mais, à la fin du chapitre 11, au sommet d'un temple maya, un prêtre lui assène un coup fatal... La première page du chapitre 12 est... vide.

La signification métaphorique du livre est évidente : la reine, c'est Izzy, et l'Inquisition, c'est sa tumeur. Le conquistador, c'est Tommy, et l'arbre de vie, c'est le remède qu'il recherche pour la soigner. L'issue tragique du chapitre 11 est manifestement un message que Izzy adresse allégoriquement à Tommy, qui refuse de voir la réalité en face : de même que le conquistador a échoué dans sa quête, il échouera aussi dans la sienne... A ceci près que le douzième et dernier chapitre n'a pas encore été écrit. Et qu'il revient à Tommy de prendre la plume.

Mais il refuse. Parce que son amour est plus fort que la mort. Parce qu'il sait qu'il peut sauver sa femme. Pour qu'elle puisse elle-même mettre un point final à son histoire.

Hugh Jackman et Rachel Weisz. L'amour est éternel

Dans un temps indéterminé, aux confins de la Voie lactée. Tom (Hugh Jackman) voyage avec un arbre dans une sphère qui se dirige vers la nébuleuse Shibalaba... Celle-là même qu'Izzy étudiait depuis son balcon avec son téléscope. Celle-là même qui apparaît dans son roman, et qui guide Tomas vers la pyramide qui cache l'arbre de vie. Une nébuleuse où les âmes des morts renaîtraient selon une légende maya. Non, il ne s'agit pas d'une scène de science-fiction greffée à cette belle histoire. Mais bien d'une représentation de l'univers mental, de la bulle dans laquelle s'est enfermé Tommy depuis que sa femme est tombée malade. Où cette fois-ci, c'est Shibalba le remède contre la maladie. "Don't worry, Iz, we're almost there" : C'est Tom qui s'adresse à l'arbre. Un arbre qui est en train de mourir. Il lui susurre : "You'll bloom" (tu renaîtras). Le tableau paraît surréaliste, mais la mise en scène d'Aronofsky justifie majestueusement cette bizarrerie en matérialisant les intéractions entre rêve et réalité : il faut voir le magnifique fondu enchaîné qui passe du monde fantasmé où Tom caresse tendrement l'écorce duveteuse de l'arbre - qui réagit à son contact -, au monde réel où Tommy caresse le bras d'Izzy. C'est fichtrement émotionnant.

Mais le destin tragique d'Izzy était déjà écrit en pointillés dans son livre : Tommy trouve le remède pour sauver Izzy (à base d'un échantillon d'écorce d'un arbre disparu d'Amérique centrale...), mais elle meurt avant qu'il ne lui soit administré. Son courage devant la mort ("I'm not affraid anymore") donne des frissons. Pourtant, même s'il sait que tout est perdu, Tommy multiplie les bouche-à-bouche et les massages cardiaques pour la ramener à la vie. Parce qu'il l'aime. Poignant. Parallèlement (par conséquent ?), dans la sphère, l'arbre meurt aussi avant d'atteindre le coeur de Shibalba. Tom veut mourir ("I'm gonna die"). Il n'y a plus d'espoir. A moins que...

"Finish it". Depuis le début de son voyage sidéral et mental, Tom entend une voix, celle d'Izzy, qui lui dit ces mots : "Finish it". Mais finir quoi ? The Foutain, bien entendu. Écrire ce 12e chapitre qui pourrait, peut-être, inverser le destin. Ainsi, sous la plume de Tommy, le conquistador ne mourra pas : Tom viendra de façon incroyable parer in extremis le coup d'épée du prêtre maya. Et permettra à Tomas d'atteindre, enfin, l'arbre de vie. Il en boira la sève jusqu'à la lie. Mais cela ne fera pas revenir Izzy...

"Ne t'en fais pas. On y est presque..."

Car comment pourrait-on faire renaître ce qui n'est plus ? En traversant les âges, peut-être. En allant récupérer dans le passé un élément qui matérialise à lui seul l'amour le plus pur. Dans le présent, Tommy a perdu son alliance au bloc-opératoire, entre deux interventions. Dans le roman (le passé ?), la reine Isabelle la Catholique a donné une bague à Tomas, accompagnant son geste de ces mots : "Together we will live forever". Au pied de l'arbre de vie, au XVIe siècle, Tom viendra ainsi prendre cette bague et la rapporter dans sa sphère. Une pluie incandescente dorée, de toute beauté, s'abat sur la sphère : c'est le signe que Shibalba est tout près. Et qu'elle va bientôt s'éteindre, à jamais. Tom, en position de lotus, sort de son "vaisseau", et fait face à Shibalba. Il va passer la bague à son annulaire gauche, entouré d'un tatouage circulaire noir...

Un tatouage circulaire ? Automatiquement, une deuxième lecture du film (qui ne supplante cependant pas la thèse de l'univers mental) s'impose : Car peu après la mort d'Izzy, Tommy s'était tatoué une alliance à l'encre de Chine... sur son annulaire gauche. Par conséquent, il se pourrait bien que Tom existe... pour de vrai. Une hypothèse pas si folle que ça : Il pourrait bien être Tommy avec quelques siècles de plus (la phrase que Tom dit à Izzy : "Toutes ces années... Tu m'as fait traverser le temps" prendrait alors tout son sens). Un Tommy qui aurait trouvé le secret de l'immortalité (mais pas celui de la résurrection), et qui voyagerait seul dans le cosmos vers Shibalba, avec l'espoir fou (mais si beau) que la femme qu'il a toujours aimé ressucite.

Et instantanément, c'est l'éblouissement. Dans une séquence époustouflante de beauté, Shibalba explose, Tom est illuminé par l'éclat de lumière (les influences bouddhistes et chrétiennes ne sont jamais loin). L'arbre revit. Des fruits apparaissent... La lumière devient aveuglante. L'Amour a triomphé de la Mort. Un sentiment magnifié par le thème épique et planant de Clint Mansell, bien supérieur à l'inoubliable partition de Requiem, qui était déjà magistrale.

La logique de la - bouleversante - dernière scène peut laisser perplexe : dans la réalité (la nôtre), Tommy plante un fruit de l'arbre de vie ressucité par Shibalba au pied de la tombe de Izzy : "Au revoir, Iz, Je l'ai fini. Tout va bien. Oui, tout va bien." Comment expliquer ce paradoxe temporel de façon rationnelle ? Peut-être que Tom a effectué un bond dans le temps pour confier ce fruit à Tommy, c'est-à-dire lui-même (le fruit, en grandissant, serait alors devenu cet arbre contenant l'âme de Izzy voyageant dans l'espace) ? La boucle serait ainsi bouclée... Ou peut-etre qu'on devrait s'en foutre, et se laisser porter par le lyrisme universel de Monsieur Aronofsky qui marque pour la vie.

Shibalba meurt... et l'amour renaît...

Parce que The Fountain, c'est avant tout une - triple - ode à l'amour aux correspondances poétiques multiples : la bague, donc, l'arbre de vie ou encore Shibalba (la salle du trône de la reine Isabelle la Catholique, éclairée par des milliers de bougies, à l'instar des luminaires du bloc-opératoire du docteur Creo, ressemblent à s'y méprendre à la nébuleuse). Des résonnances toujours transcendées par la mise en scène précise, sincère et généreuse d'Aronofsky, qui démontrent toute l'unité et la cohérence de son oeuvre.

Au fait : Cate Blanchett et Brad Pitt devaient à l'origine interpréter les deux rôles principaux (mais ce dernier a décliné l'offre pour Troie !). Avec un budget amputé de moitié, Hugh Jackman (qui confirme qu'il a l'étoffe d'un immense) et Rachel Weisz (qui n'a décidément rien à envier à aucune autre actrice) ont repris des rôles qui pourraient bien être ceux de leur vie. Au vu du résultat, d'une maestria confondante, on se dit qu'on n'y a pas perdu au change. Et qu'on a peut-être vu la plus belle histoire d'amour jamais filmée pour le cinéma, tout simplement.

Par-delà la lutte intestine entre l'Amour et la Mort, The Fountain, oeuvre d'une insolente densité thématique, interroge sur la Vie au sens le plus philosophique du terme, et confine par là à l'existentialisme le plus profond ; un absolu qu'avait déjà atteint LE maître Stanley Kubrick avec 2001, L'Odyssée de l'espace (la filiation est presque explicite). La Mort, le Temps, l'Infini, l'Homme. Des concepts métaphysiques à propos desquels peu de personnes ont leur mot à dire. Darren Aronofsky, qui s'affirme comme le réalisateur le plus doué de sa génération, en a placé un, de mot. Et rejoint son illustre père spirituel au Panthéon des génies que la maladie, le temps et la mort n'oxyderont jamais.

6/6

Pour voir le meilleur James Bond, il aura donc fallu attendre le vingt-et-unième épisode ? Ironie du sort, Casino Royale, écrit en 1953, est pourtant le premier roman de Ian Fleming mettant en scène le mythique agent secret. Certes, le roman avait déjà fait l'objet d'une adaptation cinématographique. On avait ainsi bien ri (ou pas) devant la version parodique de Val Guest (1961), avec Peter Sellers, David Niven et Woody Allen. Toutefois, le film de Martin Campbell (déjà réalisateur du très correct Goldeneye avec Pierce Brosnan) montre combien il était NÉCESSAIRE de passer aux choses sérieuses.

Être un agent secret. On en a tous rêvé. Pour briser des complots. Pour parcourir le monde. Pour le sauver, à sept seconde près. Mais au fond, on n'a jamais rêvé d'être James Bond. Parce que Bond est insensible (il n'a jamais pleuré la mort d'une James Bond girl), blasé (la cruauté des crapules qu'il affronte ne l'émeut même pas) et cynique (constamment en mode foutage de gueule, on ne sait jamais ce qu'il ressent vraiment). Dans Casino Royale, le nouveau, on fait connaissance avec un autre Bond, ou plutôt, ce qu'il était avant de devenir celui qu'on connaît. A de nombreux égards, donner le rôle à Daniel Craig était la plus brillante des idées.

On a entendu beaucoup de bêtises et de préjugés quant au choix de ce dernier pour incarner James Bond. Trop musclé, trop blond, trop petit... Réflexe pathologique du fan incapable de s'émanciper du dogme ancestral : Brun, poilu et macho. Tout un programme !

Daniel Craig est blond aux yeux bleus et presque imberbe. Et pourtant, seul un acteur de ce calibre pouvait apporter ce qui a toujours manqué à Bond : un supplément d'humanité. Un homme avec ses doutes et ses faiblesses - c'est ainsi qu'on imagine un agent secret à ses débuts -, sans qu'on puisse pour autant le qualifier de mauviette. Car de la virilité, Craig n'en manque pas (l'espion n'en a peut-être jamais eu autant). Il faut admirer à ce titre la scène d'ouverture : une poursuite musclée, ultra réaliste - un vrai pied de nez, en fait, à tous les James Bond qui lorgnaient un peu trop près de la science-fiction - et sans temps mort, qui s'achève par un flingage en règle dans une ambassade d'un pays d'Afrique. Qui a dit pas assez viril ?!

Daniel Craig est James Bond : permis de continuer

Parallèlement (c'est fou comme c'est bien fait !), Le Chiffre (Mads Mikkelsen, un acteur danois encore inconnu du grand public), sorte de banquier privé du terrorisme international, est certainement le bad guy le plus charismatique depuis Trevelyan dans Goldeneye (tiens, tiens...), et sans doute le plus pervers depuis... depuis quand déjà ? Pour s'en convaincre, il suffit de se rapporter à la séance de torture, insoutenable et géniale, où Le Chiffre fait passer un sale quart d'heure aux parties intimes de notre espion préféré - c'est qu'on commence à s'attacher à lui.

Et dire que la scène la plus jouissive du film n'est même pas une scène d'action, mais bien une partie de poker monumentale au Casino Royale, donc, au Monténégro. La dernière occasion pour Le Chiffre de se renflouer après que Bond a fait échouer un de ses plans. Un duel au sommet - mis en scène avec brio - entre deux ennemis qui se rendent coup pour coup. Bond sera ainsi victime d'un empoisonnement et ne devra sa survie - sa résurrection ? - qu'à l'intervention de Vesper Lynd (sublime Eva Green), attachée au Trésor britannique, chargée de surveiller les mises et les relances astronomiques de l'agent secret.

Vesper Lynd et James Bond. Chaud devant !

Eva Green... la première James Bond girl dotée d'un cerveau, ET surtout d'un coeur. Le parfait complément de Daniel Craig, au fond. Oui, parce que la meilleure scène de Casino Royale - de tous les James Bond ? - est une scène d'amour - et pas une scène d'action - qui vaut à elle seule la vision du film, et qu'il faut prendre le temps de décrire : entre deux parties de poker, Bond tue deux bad guys, in extremis, grâce à l'aide de Vesper Lynd. La jeune femme a du sang sur les mains. Dans tous les sens du terme. Sous la douche, elle tente de se nettoyer. Mais qu'il est difficile de se purifier de l'intérieur... Alors Bond - ou plutôt Daniel Craig - la rejoint. Se déshabille-t-il ? Non. Il garde sa chemise. Une chemise qu'il venait juste de changer, après la sanglante bagarre. « J'ai du sang sur les mains », sanglotte-t-elle. Il la rassure. « J'ai froid. » Lui fait-il l'amour sous la douche ? Eh non. Il l'enlace tendrement puis, doucement, tourne le robinet d'eau chaude... En un magnifique plan-séquence, Martin Campbell a cassé un mythe. Pour notre plus grand bonheur. Et montre par la même occasion qu'il a définitivement pris de la bouteille depuis Goldeneye.

Qui aurait pu prédire que Bond allait un jour nous arracher une larme ? Qui aurait pu croire qu'un blond aux yeux bleus, imberbe de surcroît, allait reléguer Sean Connery au second rang - ça y est, c'est dit ! - du Panthéon des interprêtes de l'espion au service de sa Majesté ? James Bond a fini sa crise d'ado, et Casino Royale, première aventure de l'agent secret, est paradoxalement le film de la maturité.

L'issue de Casino Royale ne laisse que peu d'espoir quant à un épanouissement encore plus affirmé. On sent que Bond va glisser vers ce côté obscur dont on ne voulait déjà plus jamais entendre parler. Mais, au moins, pendant un instant, on aura donc vu ce qu'aurait pu (dû) être notre Bond. Parce que c'est ça aussi, le cinéma : Une émotion fugitive qui, peut-être, ne se reproduira jamais.

C'est drôle, j'ai re-envie de devenir espion.

5/6

(Attention spoilers - enfin, si l'on peut dire...)

Trahison ! On nous a volé notre Guillaume Nicloux ! Comment expliquer ce désastre autrement que par le rapt du très bon réalisateur d'Une Affaire privée avant les premières prises de vue ? Ou bien faut-il penser que les romans (déjà bof-bofs...) de Jean-Christophe Grangé sont tout simplement inadaptables, au vu des ratages que sont L'Empire des loups (Chris Nahon), et, dans une moindre mesure, des Rivières pourpres (Mathieu Kassovitz) ? Quoi qu'il en soit, le constat est sans appel : Le Concile de pierre est un navet à tout point de vue.

L'histoire, d'abord : Laura Spirien (Monica Bellucci) mène une vie tranquille à Paris avec son fils Liu-San, enfant adopté en Sibérie. Quelques jours avant son septième anniversaire, une marque circulaire apparaît sur son coeur. Laura fait des cauchemars étranges toutes les nuits, tandis que d'obscurs individus semblent manifester un intérêt de plus en plus marqué pour le gamin. Qui est vraiment Liu-San ? Pourquoi tant de convoitises ? Quel terrible secret cache cette marque sur son coeur ? Qu'est-ce qu'on fait encore dans la salle ?

Horreur ! Cinq minutes seulement se sont écoulées, et on réalise avec effroi que le film a déjà passé en revue tous les poncifs du thriller ésotérique : une scène d'ouverture morbide, dans une région hostile, avec des bad guys encagoulés ; une marque mystérieuse, donc, qui grossit de jour en jour ; un entourage un peu trop sympa pour qu'on ne se dise pas qu'il y a forcément anguille sous roche...

Cours, Laura, cours !

Et dire qu'à ce stade, on n'a encore rien vu... A chaque nouvelle scène, et ce, malgré la simplicité paroxystique de l'intrigue, on éprouve la désagréable impression de voir un autre film, tant la cohérence esthétique fait défaut. (Eh oh ? Y'a quelqu'un à la table de montage ?) La psychologie des personnages a visiblement été traitée par-dessus la jambe : c'est même tellement mal foutu qu'on ne sait même plus, à la fin du film, qui est l'allié de Laura et qui ne l'est pas. Tout simplement scandaleux ! On a fait toute une montagne du soi-disant rôle à contre-emploi de Monica, mais rien à faire, le port du flingue ne lui va pas. Dans le registre de la femme qui se défonce pour sauver son gosse, n'est pas Jodie Foster qui veut !

Le pire demeurant les effets horrifiques, qu'on déclinera en deux catégorie : "plus-crispant-tu-meurs", magnifiquement matérialisée par l'apparition redondante de cet aigle au cri fâcheusement strident qui m'a pété les tympans. Et "plus-bidon-tu-crèves : pourquoi un ours numérique ridicule, alors qu'un vrai - ça tombe sous le sens ! - aurait été plus réaliste, donc plus effrayant ? Mais, à l'image d'un film qui transpire la fainéantise, l'équipe a peut-être pensé qu'on pouvait se passer des services d'un dresseur.

Au final, on a quoi ? Un film baragouiné, brouillon et bâclé, avec comme point d'orgue une dernière partie en Mongolie, à la limite du ridicule, au cours de laquelle on découvre (ô, surprise !) que TOUS les proches de Laura, sans exception, étaient effectivement dans le coup ! Fallait oser... Gageons qu'il ne s'agit que d'un incident de parcours pour le réalisateur, qui aura bientôt l'occasion de se rattraper avec La Clé, troisième volet de sa trilogie initiée par Une Affaire privée et Cette Femme-là. A la bonne heure : Nicloux est assurément plus à l'aise avec les projets persos qu'avec les films - miteux - de commande.

0/6

Alexandre Aja. Souvenez-vous de ce nom, car il faudra désormais compter avec lui. C'est le génial réalisateur de La Colline a des yeux, remake du film éponyme de Wes Craven datant de 1977, sorti l'été dernier sur nos écrans français (la France : vous savez, ce pays où les films sont distribués en dernier dans le monde entier). Un "film de genre" génial (c'est comme ça qu'on appelle les films d'horreur, y paraît, pour faire plus classe), réalisé par un mec bien de chez nous. Pourtant, à regarder le casting de près (Aaron Stanford, Kathleen Quinlan, Emilie de Ravin - la nana insupportable de Lost - ça sonne pas très français ça, monsieur !), on semble avoir affaire à un film ricain 100 % pur jus. Mais attendez un peu. Pour ceux qui s'en souviennent, Aja avait déjà démontré toute l'étendue de son talent en 2003, sur le sol français, avec Haute Tension, un film bien flippant avec la pas encore bankable Cécile de France.

Et puis Aja a suivi la meute de réalisateurs français défilant à Hollywood, à la recherche de producteurs un peu plus renfloués que leurs homologues français. Avec une réussite diverse. Pitof, le metteur en scène (ha ha !) du navetissime Vidocq (ho ho !), a récidivé avec le cataclysmique Catwoman, un bide à tout point de vue, tant artistique qu'économique. En voilà un pour qui le rêve américain s'est transformé en bourbier (note : donner le rôle-titre à Halle Berry, c'est ce qui s'appelle manquer singulièrement de flair). Semi-échec pour le tout juste regardable Gothika de Mathieu Kassovitz (toujours avec Halle Berry, porte-malheur préféré de nos chers expatriés). On se demande encore ce qu'est devenu l'auteur de La Haîne. Bref, Aja, lui, a transformé l'essai. Et de quelle manière !

Ce n'était pourtant pas gagné d'avance. Aja est en effet le fils d'Alexandre Arcady, le boulet responsable du Grand Pardon I et II - j'en ris encore ! -, sorte de remake raté du Parrain. Heureusement pour lui (et surtout pour nous), la nullité, à l'instar du génie, n'est pas une faculté héréditaire. Arcady filme avec ses pieds, Aja avec sa tête et ses mains. Sorry, daddy !

Voilà le topo : en route pour la Californie, une famille d'Américains vraiment moyens (les deux parents, les trois enfants, le jeune époux coincé de l'aînée, le bébé de ces derniers, sans oublier les deux chiens) tombe en rade dans le désert sous un soleil de plomb. Une bande de mutants sanguinaires, largement affectés par les radiations des essais nucléaires US des années cinquante (élément absent du film original), profite de l'incident pour enlever le bébé et massacrer les membres de la famille Carter un à un.

Le mutant Pluto, moins cool que son homologue canin

Jusqu'ici, ça a l'air très basique. Sauf qu'il y a Aja à la barre. Et ça fait toute la différence. S'inscrivant dans la tendance hollywoodienne consistant à reprendre des films d'épouvante emblématiques des seventies (Massacre à la tronçonneuse, Amityville), le jeune réalisateur montre toutefois qu'on peut s'expatrier aux Etats-Unis et conserver 100 % de son intégrité artistique. On notera déjà que le film a été tourné dans le désert marocain, loin, très loin du carcan hollywoodien et des ses contraintes. Et le résultat s'en ressent. D'une violence inouie (l'attaque du van par les mutants est quasi insoutenable) le film se caractérise par une structure parfaite : le premier assaut survient tard, mais est si bien amené qu'on n'a même pas eu le temps de s'ennuyer. Juste d'angoisser.

Après seulement deux films, Aja montre qu'il en connaît un bon bout sur la direction d'acteurs. La perf d'Aaron Stanford (qui campe le gendre), qu'on croirait tout droit issu du Braindead de Peter Jackson, est sans doute pour beaucoup dans la réussite du film. D'abord dépassé par les événements, Doug se mue ensuite en véritable chasseur de mutant dévoré par la haîne pour sauver son bébé des griffes de ses ravisseurs. Ce bon vieux Doug - déjà culte - s'en prend tellement plein la gueule et souffre tellement qu'on ne peut pas s'empêcher de s'identifier à lui. Son bébé, c'est aussi le nôtre. Ses larmes (snif !), ce sont aussi les nôtres, bordel ! Alors forcément, lorsque je défonce... euh... lorsque Doug défonce son premier mutant, c'est tout le prisme de nos émotions accumulées (haîne, dégoût, tristesse, vengeance), qui éclate d'un seul coup : "Yeah, vas-y, explose-le !" C'est véridique : tous les mecs dans la salle de ciné ont gueulé et applaudi à ce moment précis... Pas touche à notre enfant, hé !

Aaron Stanford,  Lionel Cosgrove ("Braindead"), même combat

Et là c'est l'escalade : du gore, du gore et encore du gore, mais jamais gratuit. La tension est telle - car pendant ce temps, les autres survivants de la caravane se défendent comme ils peuvent - qu'on oublie qu'on est allé voir un film d'horreur. C'est un véritable drame humain qui se joue sous nos yeux. La moitié de leur famille a été décimée, mais les survivants DOIVENT trouver assez de force en eux pour sauver le peu de choses qu'il leur reste.

Mais ce n'est pas fini. Car La Colline serait juste un bon film s'il ne faisait que remuer nos sens. Or, Aja se paie le luxe d'insérer dans son oeuvre une critique vraiment bien sentie - c'est assez rare - de la patrie de l'Oncle Sam - et plus encore. Certes, la dramaturgie du film nous pousse naturellement à choisir notre camp : pas d'ambiguïté, on est tous avec toi, Doug, et on attend de pied ferme que tu liquides tous les mutants. Mais on ne peut pas s'empêcher de penser que les mutants, avant d'être des bourreaux, ont été des victimes qui ont vécu dans la souffrance jusqu'ici. Démembrés, défigurés, déformés à vie par les radiations des essais nucléaires dont les effets se font sentir jusqu'à leur descendance (la petite-fille du chef des mutants conserve encore des stigmates de "l'incident"), on réalise qu'il y a encore plus monstrueux qu'eux.

Le vrai monstre, c'est l'Amérique, voire l'homme tout court. Le créateur fou de l'arme atomique qui, même en temps de paix, se permet de multiplier des essais nucléaires dans des lieux qu'il n'avait pas encore souillés. Ce n'est pas par hasard que Doug tue un mutant avec la hampe d'un drapeau américain. Ce n'est pas par hasard non plus que le chef des mutants - le plus difforme - entonne ironiquement le Star Spangled Banner. En arrière-plan, il y a Hiroshima et Nagasaki - et qui sait, peut-être l'Iran ? Mais aussi Tchernobyl (les créateurs des effets spéciaux se sont inspirés de clichés de victimes de la catastrophe), un exemple qui montre que l'homme n'a même plus besoin de faire exprès de se foutre en l'air. Cela viendra tout seul.

Aja savait donc parfaitement ce qu'il faisait en partant aux States. Il s'est servi des dollars mis à sa disposition pour signer un brûlot anti-occidental - sans tomber dans l'anti-occidentalisme - qui renvoie dos à dos les producteurs et les dirigeants inconscients du "Western World". Un film d'auteur grand public réussi, c'est la définition d'un chef d'oeuvre, non ? CQFF (Ce qu'il fallait faire).

5/6